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Hace poco más de una semana llegó hasta mi nuevo hogar, en Inglaterra, un paquete lleno de regalitos de alguien que me quiere mucho y me conoce bien. Allí estaba ella: mi primera pluma Sailor.

One week ago, more or less, I received in my new home, in England, a package filled with gifts from someone who loved me and came to know me very well. There it was: my first Sailor fountain pen.

Fountain pen Sailor_amvelandia

La primera vez que escuché hablar de ella y la probé fue durante un taller de caligrafía en la Biblioteca Nacional, y no llamó mucho mi atención, no le vi nada especial.

The first time I heard about it and tried this pen was during a calligraphy workshop in the National Library (Spain), and I didn’t like it, I not felling well.

Un par de meses más tarde en el Taller Artístico, Gustavo la mencionó de nuevo, y por más que me dejó probarla, no me atrapaba. Me escudaba en el “yo es que soy de grafito, a la tinta no le termino coger el punto“.

A couple of months later in El Taller Artístico de Huelva, Gustavo mentioned it again, and as much as he let me try it, did not catch me. I was shielded saying “I love graphite, the ink don’t fall me in love“.

Ni siquiera después de ver a Inma Serrano hablar de ella como una de sus herramientas fetiche.

Not even after seeing Inma Serrano speak of it as one of her fetish tools.

Y es que la herramienta de la que te hablo hoy no es de esas que me moría por probar y probar… Pero cada vez soy más consciente de que el dibujo es un proceso inherente a mi (y a ti) y por tanto evoluciona como lo hago yo :)

So is that the tool that I talk to you today is not one that I was dying to try… But I am increasingly aware that the drawing process is inherent in me (and you) and therefore evolves as I do : )

Así llegó el día en que, tras un mes lleno de tinta, la pluma Sailor volvió a cruzarse conmigo, mi regalo incluía cargador pero ni lo vi de la emoción, y por eso tengo pendiente probarla con mis tintas favoritasSi quieres que te cuente mis progresos con ella, házmelo saber en los comentarios ;)

Then came the day when, after a month full of ink, the Sailor pen came back to cross with me. My gift included a converter, but I did not see it because I was very excited, and for that reason, I have pending try it with my favorite inks. If you want me to tell you my progress with it, let me know in the comments ;)

Con todos estos datos previos, te contaré, que se trata de una pluma caligráfica con la punta torcida (como cuando se te cae un pilot de punta y ahí termina vuestra aventura juntos). Se distinguen según el grado de inclinación de la punta con respecto a la horizontal (cuán levantada está) y esto determina el grosor del trazo.

With all that, I will tell you, that it is a calligraphic pen with a crooked tip (like when you drop a Pilot and end your adventure together). They are distinguished according to the degree of inclination of the tip with respect to the horizontal (how inclined it is) and this determines the thickness of the stroke line.

En el pack viene la pluma y dos cartuchos negros, puedes comprar el cargador a parte y así poder usarla con la tinta que tú prefieras.

In the pack comes the pen and two black cartridges, you can buy the converter separately so you can use it with the ink you prefer.

Sailor review_amvelandia

Sus trazos son distintos según la inclinación y no por la presión, esto hace que sea raro al principio.

Its strokes are different according to the inclination and not by the pressure, this makes that it is rare in the beginning.

Cuanto más perpendicular al papel más fino el trazo.

As more perpendicular, you put the pen to the paper, as the finer the stroke you can do.

Sailor fountain pen_amvelandia_fine

Llegando al mínimo cuando la uso “del revés”.

Getting to the minimum line when I use it “upside down”.

Sailor fountain pen_amvelandia_ultrafine

También hace distinto el trazo vertical que el horizontal.

It also makes the vertical stroke different from the horizontal.

Sailor fountain pen_amvelandia_medium

A 45º aprox. el trazo es medio. Es un medio finito y esto, para mí, es una de sus genialidades.

At 45 ° approx. the stroke is medium. It is a fine medium and this, for me, its great.

Sailor fountain pen_amvelandia_medium2

Y casi paralela al papel el trazo se hace más grueso.

And almost parallel to the paper, the stroke becomes thicker.

Sailor fountain pen_amvelandia_bold

Llegando en horizontal a unos 2.5mm más o menos.

Near to the horizontal, the line is about 2.5mm or so.

Sailor fountain pen_amvelandia_bold2

La tinta que traen los cartuchos se puede aplicar sin problema sobre distintas técnicas (De izquierda a derecha y de arriba a abajo: tinta directa sobre papel – tinta sobre colerase de Prismacolor // tinta sobre gouache – tinta sobre acuarela – tinta sobre Polycrhomos – tinta sobre Prismacolor Premier – tinta sobre grafito).

The ink that the cartridges bring can be applied without problems on different techniques (From left to right and from top to bottom: direct ink on paper – ink on colerase from Prismacolor // ink on gouache – ink on watercolor – ink on Polycrhomos – ink On Prismacolor Premier – ink on graphite)

Sailor fountain pen_amvelandia

También puedes usar encima de la tinta distintas técnicas. Ten cuidado con las húmedas pues dependiendo del tipo de papel, la tinta se diluye o no. El que ves en la foto es de 75gsm y sorpredentemente en él la tinta no se diluye. He probado en el de 110gsm de los sketching journal de la casa Ryman y sí se diluye  (pero en este papel la letra queda genial).

You can also use different techniques on top of the ink. Be careful with the wet techniques because depending on the type of paper, the ink is diluted or not. The one you see in the photo is 75gsm and surprisingly in it, the ink is not diluted. I have tested in the 110gsm of the sketching journal of the Ryman house and yes it is diluted (but in this paper the letter looks great).

sailor fountain pen_amvelandia_review

De nuevo, de izquierda a derecha y de arriba a abajo: grafito sobre tinta – Polychromos sobre tinta – Prismacolor Premier sobre tinta – acuarela sobre tinta – gouache sobre tinta – tinta golden yelllow sobre tinta Sailor.

Again, from left to right and from top to bottom: graphite on ink – Polychromos on ink – Prismacolor Premier on ink – watercolor on ink – gouache on ink – golden yellow ink on Sailor ink.

Por último, quiero mostrarte cómo se comportan otras herramientas con las que puedes conseguir ese trazo modulado, personal y expresivo, ya que según tú estilo, puedes preferir unas u otras. Para mi tipo de trazo, de momento, prefiero la pluma Sailor a los kuretake de punta rígida. Me quedo con el de punta de pincel y la Sailor, ya que ambas dan resultados diferentes. Para llevar siempre conmigo la Sailor, que escribir textos largos con el pincel no es una opción, al menos para mi.

Finally, I want to show you how other tools with which you can get that modulated stroke, personal and expressive, because according to your style, you can prefer one or the other. For my type of stroke, at the moment, I prefer the Sailor pen to the kuretake with a rigid tip. I prefer the kuretake brush tip and the Sailor, because they both give different results. To always carry Sailor with me, that writing long texts with the brush is not an option, at least for me.

Sailor fountain pen review_amvelandia

Ahora, después de probarla en el momento justo… confieso… ¡me ha robado el corazón! Ya no salgo sin ella, ahora puedo salir sin grafito pero no sin Sailor, y es que además de conseguir el “trazo tensionado”, que a mi me enamora (así llamábamos en la escuela a la línea con distintos grosores; esto da carácter, volumen y expesividad a la linea), y mi letra con esa pluma es genial.

Now, after trying it at the right time … I confess … it has stolen my heart! I do not go out without it, now I can leave without graphite but not without Sailor, and that in addition to getting the “strained line”, which I love (so we called in the school to the line with different thickness, this line has character, volume and is  very expressive [I don’t know if this concept is correct in English. If you know how it called I’ll be glad to learn it! ]), and my letter with that pen is great.

¿Escribir y dibujar con una sola herramienta? ¿Cómo no iba a terminar enamorándome?

Write and draw with one tool? How could I not end up falling in love?

¿Ya conocías este tipo de plumas? ¿Compartes tus truquillos para dominarla?

Did you already know this type of fountain pen? Do you share your tricks to dominate it?

pd: podría alimentarme a base de papeltinta.

ps:  I could feed on paper and ink.

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El viernes Gemma en su twitter pedía consejo acerca de qué cuaderno comprar. Le recomendé uno de mis último descubrimientos en cuanto a papel y cuadernos, y entonces me dí cuenta que no había hablado aquí de mis últimos descubrimientos, muchos de ellos relacionados con la tinta. Y ahora que la iniciativa Inktober se pone en marcha movilizando a amantes de la tinta, el papel y el dibujo por todo el mundo, quiero ponerte al día.

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Es de bien nacidos ser agradecidos, antes de seguir debo darle las gracias a Cinta por casi todos estos descubrimientos y a la papelería Carranza por su trato exquisito y humano siempre.

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Empiezo por hablarte del papel, estoy totalmente enamorada de este cuaderno. Desde que mi amado Moleskine cambiara de proveedor de papel (en realidad no sé si ha cambiado de proveedor, pero la calidad de papel no es la misma y el precio sí). Como no encontraba un cuaderno que me robara el corazón, decidí que de momento, hacer mis propios cuadernos era la mejor opción, aunque aún no he dado con el papel adecuado, el cuaderno a medida te permite tener diferentes papeles para cada técnica todo en un mismo lugar.

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El Talens, art creation tiene papel de 160gr, muy suave que va muy bien con tinta y grafito, soporta aguadas (aunque no es el ideal para acuarela), puedes usarlo por las dos caras y su precio hace que sea perfecto.

Y ahora es cuando te confieso que aunque llevo muchos años usando pluma, nunca había usado émbolo. En mi imaginación era esa cosa hipercomplicada que nunca llegaría a dominar…. ¡la de dinero que podía haberme ahorrado en cartuchos!

¡El émbolo es un inventazo! Sencillo de usar y que te permite cargar cualquier tinta en tu pluma. Es verdad que los botes de tinta son muy caros, pero viene tanta cantidad que podrás compartirlos con varias personas, y así ampliar la gama y minimizar el gasto.

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Las tintas que he probado:

  • La tinta Quink negra de Parker, desde que hice el taller de técnicas de ilustración con Mariajo, amo esta tinta. Me encanta cómo se comporta rebajada con agua, y con el émbolo y el pincel de agua puedo hacer mi propia mezcla.
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  • La tinta 4001 turquesa de Pelikan. Esta tinta tiene un color azul cian vibrante. Tengo pendiente mezclarla con otras tintas a ver qué pasa :)
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  • La tinta Golden Yellow de Mont Blanc. Me tiene loca el tono amarillo ámbar de esta tinta.
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Este año vuelvo a participar en inktober. ¿Te animas?

Si te animas, deja tu link en los comentarios me encatará ver tu reto! (aquí tienes las instrucciones y a disfrutar).

¡Nos vemos el 1 de octubre!

pd: Me confieso adicta al papel y los pigmentos.

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Cuando empecé a usar acuarelas sobre bocetos empezó mi búsqueda de una solución para eliminar las líneas de los bocetos, que no pasara por tener que delinear todos los contornos. Las líneas guía quedan permanentes cuando las cubres con la aguada. Hasta ahora siempre me habían dicho que todo pasaba por usar grafito 2H lo más tenue posible, pero esta solución no siempre me ha funcionado.

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Después del super botín de mi último cumpleaños quería probar los prismacolor col-erase con acuarelas.

He probado con varios colores (pues no todos se comportan igual), además de grafito 2H, HB y B de Faber Castell. Usando dos tipos de trazado: Trazado lineal (que es el más común para calcar el boceto al final) y mancha.

Para que la muestra me fuera lo más útil posible he usado mis materiales más habituales: acuarelas en pastilla, gouaches y acuarela líquida; en color amarillo, uno de los más claros y, por tanto, uno de los más problemáticos a la hora de eliminar el trazo del boceto.

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El resultado (borrando con una Faber Castell Art Eraser Dust Free 58 71 22) es:

  • En seco – con trazado lineal: desaparece en todos los casos.
  • En seco – con trazado de masa: desaparece en carmine red, vermillon, yellow, green, purple, terra cotta, y light blue.
  • Acuarela en pastilla – con trazado lineal: desaparece para carmine red, vermillon, yellow y grafito 2H.
  • Acuarela en pastilla – con trazado de masa: desaparece para camine red y yellow.
  • Gouache – con trazado lineal: desaparece para yellow.
  • Gouache – con trazado de masa: desaparece para yellow.
  • Acuarela líquida (anilina) – con trazado lineal: desaparece para yellow y casi por completo terra cotta.
  • Acuarela líquida (anilina) – con trazado de masa: desaparece para yellow y casi por completo terra cotta.

amvelandia_colerase acuarela_despues2.jpg

Es importante que tengas en cuenta que el resultado final depende del papel que uses.

Y estos son mis últimos descubrimientos, ¿me cuentas tus trucos?

pd: cómo viajar con gouaches de bolsillo.

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Curtiendome… Hoy comparto contigo una experiencia no del todo agradable en este camino ilustrado.

Había leído experiencias de otros ilustradores y, hasta que no he tropezado con el escollo no he aprendido. Todas esas experiencias que había escuchado, siempre hacían referencia a clientes más o menos grandes, nunca imaginé que esto entre compañeros también pasa. Me entristece, así que quiero compartir mi experiencia por si te sirve para evitar o hacer más llevadero algún incómodo y desagradable tropezón -por aquello del mal de muchos…-.

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El encargo desde el principio fue difuso. El grupo argentino LPR necesitaba la gráfica de su segundo trabajo. La chica que les iba a hacer la gráfica me pidió ayuda, y yo compartí una jornada de dibujo: pruebas, ideas… Volví a casa y en esos días me quedé con el run-run de lo que habíamos hablado, aquí me topé con esta ilustración de Emiliano Ponzi, los dibujos de Chillida y el plano que hay indicando los restos de la muralla de Madrid hallados en la construcción de la estación de cercanías de Sol, todo ello se mezcló en mi cabeza y mis manos se pusieron a trabajar, y envié este dibujo. Ella se lo envió al grupo y les encantó.

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Entonces llegó la propuesta formal, queremos que tú nos hagas las ilustraciones para el disco. ¡Genial! No podemos pagarte, sólo podemos ofrecerte poner en todo lo que publiquemos y promocionemos que las hiciste tú. Vale, he escuchado mil veces eso de no trabajes gratis, pero el proyecto me atraía y consideré que podía aprender mucho en el proceso, y al fin y al cabo que alguien de Argentina, tan lejos de mi mesa de trabajo vea mis ilustraciones y sepa que existo no está nada mal… Hablamos y quedamos en que dibujaría animales. Yo, por acotar el proyecto pensé que era mejor quedarse únicamente con animales argentinos, y para seguir con lo local, utilizar telares mapuches para las texturas. Hasta ahí todo parecía marchar bien.

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Llegó el primer escollo ¿cuántos hago? Cuantos más mejor…. Pedí que me diera un número aproximado, y como no se hizo decidí acabar con los animales de la lista que le había mostrado. Llegó el día de la entrega y a ella le gustaron mucho, alguno lo descartamos porque no me convencía, pero estaba bastante satisfecha con el resultado.

amvelandia_guanaco_blogLo que siguió a esos días se tornó bastante surrealista.

Esa misma noche de la entrega me dijo “Les mostré los dibujos y les gustaron mucho, genial Ana tranquila el trabajo está estupendo” (una buena noticia de postre para la cena que estaba disfrutando en ese intante, qué emoción!)

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Doce horas más tarde, “Ana lo siento no es lo que buscábamos, no van a utilizar ninguna de las ilustraciones” (sentí una patada en el estómago, y en el corazón. Sentí que mi trabajo no estaba siendo valorado, es más estaba siendo pisoteado. Respiré profundo, y seguí con otro proyecto diferente, en buena compañía, para evitar darle mucha importancia, al final a todo el mundo le rechazan trabajos. Yo estaba satisfecha con mi trabajo y si no había una crítica coherente y sólida a la que agrarrarse para mejorar, no merecía la pena darle más vueltas).

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Al día siguiente, que sí, que sí que nos quedamos con el gorila, ve pensando qué hacer para el banner y me vectorizas el gorila que es lo que vamos a utilizar y a mi me queda mal… Después de haber invertido un buen número de horas, ya que se iba a utilizar lo vectoricé y puesto que las decisiones, desde mi punto punto de vista, variaban entre extremos opuestos en cuestión de horas, decidí dar por zanjado el proyecto y seguir con otros trabajos.

Ya no sentía subidón porque usaran mi trabajo. Sí, me alegraba y me hacía ilusión que mis ilustraciones formaran parte de un proyecto al otro lado del Atlántico, y que gustaran, pero no quiero que la valoración de mi trabajo cambie con tanta rapidez, sin una justificación que respalde, con un mínimo de coherencia, un rechazo o una aprobación. Sé que es un símil que se pone muchas veces, pero no me imagino yo que llame al pintor a ver quiero que me pinte la casa, uy hoy me encanta, mañana no, pasado me quedo sólo con esta pared… el resto seguro que lo puedes reutilizar para algo, ahora ….

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Pasados unos días envié un mensaje, para saber qué tal había ido todo y si necesitaba ayuda con alguna parte del diseño  …Silencio….

Pasaron los días, más de una semana y a estas alturas, yo suponía cerrado el trabajo, con mi gorila como portada, incluso había recibido una prueba, supuestamente definitiva de la portada.

Perfecto, fin del proyecto, aprender de las dificultades  a otras cosas, que mi cabeza no puede parar y las horas del día se me quedan escasas.

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Pasaron dos semanas y media, y continuaba…

…el silencio….

hace unos días, por azar me encuentro en Facebook que esta persona invita en su muro a dar “like” en la portada del segundo disco de LPR. Mis ojos como platos al ver, que no había ni rastro del gorila ni nada que se le parezca… ni remotamente… no entendía nada. Considero que como persona merecía una explicación, no ha llegado.

Siento dolor, por el trato recibido, yo no puedo hacer mucho más que mostrar mi trabajo y compartir la experiencia, porque creo que cuando trabajas con personas, qué menos que decir no ha encajado. Mi trabajo no tiene que gustar a todo el mundo, pero si yo trabajo, hago un esfuerzo y te hago un favor, espero recibir a cambio al menos noticias, no enterarme de casualidad y de manera completamente casual y anónima con que se han descartado las ilustraciones supuestamente después de tener la portada definitiva… sólo pedía palabras…

amvelandia_WIP_pinguinos_blog

Como nada es perfectamente malo ni bueno, sé que he aprendido mucho con todo esto, y estos son mis consejos:

  • Necesitas tener un breif claro desde el principio.
  • Necesitas saber cuáles serán los límites del proyecto desde el principio.
  • Hacer un trabajo que te guste es un buen clavo al que agarrarse cuando te llevas estas decepciones.
  • Ser pagado por tu trabajo de manera justa, es una manera muy efetiva de que éste sea valorarlo.
  • Soplar las raspaduras de tus rodillas, levantar la cabeza y embarcarte en nuevos proyectos… Trabajar en cosas diferentes es una de las mejores curas para las heridas del camino.
  • Salir de tu zona de confort, merece la pena, aunque el proyecto no llegue al puerto que te gustaría, embarcarse enriquece mucho, y eso a la larga forma parte de tu experiencia y eso siempre suma.amvelandia_pinguino_blog

Gracias por haber llegado hasta aquí. Me encataría por favor que compartas tu experiencia, seguro que no soy la primera ni la última en enfrentarme a estas cosas. ¿Qué te ha pasado a tí? ¿Cómo es tu historia? ¿Cuáles son tus recomendaciones?

pd: muchos trabajos se quedan en proyecto de y algunos acaban en buenas manos
pd2: hoy comienza The InkTober Initiative de Mr Jake Parker, así que durante este mes las cosas por aquí serán monotemáticas ;)

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Rebeca Dautremer me fascina. Desde que vi Princesas en una librería durante uno de los descansos para comer, cuando trabajaba como delineante. Fue todo un flechazo, poco a poco me fui preguntando ¿quién es ella? Tardé en hacerme con alguna de sus obras, y Princesas no fue la primera, y tengo un par de ellos aún en mi wishlist (especialmente su art book)

Me gusta su utilización del color, las atmósferas y su trazo (siento debilidad por el grafito). Y los detalles escondidos, si sus imágenes tienen un primer impacto muy potente, cuanto más las observas más extraes… También me atrae la persona que intuyo hay detrás, sensible, con personalidad, inteligente, curiosa, inquieta , humilde y una trabajadora casi incansable.

En la primavera de 2011 el museo ABC expuso sus originales de Alicia y El diario secreto de Pulgarcito, yo no hacía más que llevar a todo el mundo a verla, además de ir sola unas cuantas veces… Ahora hasta el 30 de agosto podemos volver a disfrutar de su obra. Originales de su último trabajo Una biblia, un álbum ilustrado que es una delicia.

Rebecca se ha pasado mucho tiempo entre mis borradores, hasta que con motivo de la promoción de Una biblia en Argentina, encontré en youtube dos de las masterclass que ofreció. Traigo los videos que para mí son los más personales y los que encuentro muy útiles. Todo un regalo.

El primero “Mis grandes retos“.

Cuenta que siendo estudiante de la Escuela de Artes Decorativas de París, un profesor le puso en contacto con Gautier-Languereau, el editor con el que lleva 20 años trabajando y eso da confianza. Sus primeros dibujos le llevaban tres intentos por dibujo (me encanta curiosear los comienzos de todos los ilustradores que admiro, porque me hace sentir la evolución y la recompensa del trabajo). Me llama la atención que esos primeros dibujos no reflejan el estilo que tanto la caracteriza e identifica hoy. Cuenta que esa búsqueda le costó mucho y con Enamorados descubrió el gouache (lo utiliza muy diluido, casi como si fuera acuarela), y se empezó a sentir cómoda. Desde entonces una búsqueda y evolución constante (yo me he sacado de la biblioteca Enamorados y Seda, aunque ya los había leído, y me estoy deleitando comprobando todo esto, una auténtico placer).

Cuando Rebecca habla de estilo, hace referencia al dibujo, la pintura, la técnica y la composición. Y lo más importante se encuentra trabajando, probando, produciendo. De su formación fotográfica rescata la composición, la profundidad de campo y la deformación óptica propia de las lentes.

Para el libro La gran corriente de aire lleva a cabo exploraciones que serían las bases del trabajo que desarrolla en Seda

En el blog de la APIM, sobre la conferencia que dio en Madrid en 2011, puedes leer sobre su proceso de trabajo:

  1. Diseño de personajes y vestuarios.
  2. Bocetos a lápiz buscando composición y ritmo. (estas dos primeras fases son las de “pensamiento”, de producción de bocetos, un proceso para el que necesita absoluto silencio, y conllevan la mayor insversión intelectual y de tiempo). Se imagina paseando por la escena y buscando el mejor encuadre como una fotógrafa.
  3. Boceto definitivo a lápiz (si la composición tiene muchos elementos los dibuja por separado y se ayuda del ordenador)
  4. Escanea esos bocetos y utiliza Photoshop para hacer estudios de luz y de color previos al gouache, esta fase de no le lleva más de 15 minutos.
  5. Después del boceto definitivo, hace el dibujo a lápiz sobre papel Arches para acuarela de 300gr y lo utiliza por la parte del “revés” para que el papel no tenga tanta textura.
  6. El coloreado lo hace con gouaches muy aguado y es un proceso más mecánico. En esta fase pone música, audiolibros (esta faceta se la descubría a Frannerd y después en twitter, Eva Carot recomendó estos, un acierto ya que los primeros que encontré eran insoportables por la voz mecánica y enlatada).

Para un libro, el proceso pasa por un story previo donde define los planos, el ritmo… como si fuera una película para dar unidad al conjunto.

Y en la segunda batería de videos,

(A partir del 3/10) nos cuenta las maneras que encuentra ella para ilustrar “alejándose del texto”

  1. Representar lo que dice el texto.
  2. Puesta en escena, buscar el sentimiento de los personajes y transmitirlo.
  3. Sacar al personaje de la historia, y representarlo fuera de ella.
  4. Dibujar a los personajes con elementos que nos parecen propios de ellos, que el texto no cuenta.
  5. Caracterizar objetos emblemáticos de la escena caracterizándolo como si fuera un personaje.seda_crop
  6. Observar estilo del autor y plasmarlo en el dibujo. (ejemplo Alessandro Barrico utiliza muchas metáforas)
  7. Utilizar el texto como una voz en off de la imagen.
  8. Inventar personajes que no existen en la historia y hacerlos espectadores de la misma. Aquí habla del recurso de apoyarte en la metereología para expresar sentimientos.
  9. Si un texto está muy asentado en el imaginario colectivo (como ocurre con la Biblia) busca personajes escondidos en el texto y desarrollarlos.
  10. Imagínate en la escena, paséate por ella como si fueras un turista y “toma instantáneas” que capturen pequeños detalles. Estas imágenes no calcarán el texto y serán totalmente personales.
  11. Imagina las sensaciones físicas de los personajes. Y muy importante caracteriza los personajes que sean ese y no otro, pese a tus tics personales.

Sobre qué le inspira, menciona a la ilustradora Lisbeth Zwerger (referencia también para Benjamin Lacombe), y Carlos Nine (al comienzo de su carrera se fija más en el trabajo de otros ilustradores), ahora encuentra inspiración en el cine, teatro, los pintores flamencos, la fotografía….


Aunque en su trabajo predomina el gouache, prueba y evoluciona con nuevas técnicas como con el collage en El diario secreto de Pulgarcito, o el grafito engrasado con aceite o barniz para dar acabado como de grabado en Seda y Una biblia. Ahora trabaja en una curiosa historia sobre bigfoot con su marido, con mucho trasfondo.

Sus consejos:

  • ¡¡Permítete hacer!! (de su ponencia en Madrid en 2011 Niña pájaro menciona) “lo importante es dibujar aunque los resultados no sean tan perfectos como quisieramos, no debemos censurarnos sino buscar las respuestas a nuestras dudas repitiendo cuantas veces sean necesarias hasta que demos con lo que queremos encontrar“.
  • Trabaja como una “fotocopiadora”: anímate, arriésgate y equivócate. Dedica más tiempo a trabajar que a perseguir editores.
  • (del artículo de la APIM) “Este oficio requiere perseverancia y constancia. Todo el tiempo que dediques a aprender y perfeccionar es tiempo bien invertido. Analiza constantemente tu trabajo y no des una ilustración por buena hasta que no estés totalmente satisfecho de ella”.

pd: otros de ilustradores de los que nutrirse aquí y aquí

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